Cet article contient des spoilers pour les sept épisodes de Hollywood .
« Lorsque la légende devient réalité, imprimez la légende. » Cette ligne de L’homme qui a tiré Liberty Valance le dernier chef-d’œuvre de l’un des réalisateurs les plus vénérés d’Hollywood à l’âge d’or, John Ford est devenu lui-même assez légendaire. Pourtant, il semble que Ryan Murphy et Ian Brennan aient décidé de faire mieux à Ford dans leur version d’Hollywood: écrire le fantasme.
Traversant sept épisodes sur Netflix, Hollywood est bien plus un conte de fées doré que même la vision de Quentin Tarantino de 1969 Tinseltown en Il était une fois … À Hollywood et pourtant la série Murphy est à la fois inspirée et écrite par des gens très réels. Certains d’entre eux étaient les plus grandes stars de cinéma de leur époque, et d’autres étaient des rêveurs privés ou écartés de la promesse d’une vie sous les projecteurs. Voici quelques-unes de leurs histoires.
Rock Hudson
Un bon point de départ est l’un des personnages principaux de Hollywood . Joué comme un goliath sensible et maladroit par Jack Piercing, Hudson se transforme d’un garçon de la campagne en un fier et gai cœur de la série. Alors que le vrai Hudson était en effet défendu par l’agent hollywoodien Henry Willson (plus sur lui plus tard), son homologue réel n’est évidemment pas devenu une icône hors du placard la nuit des Oscars 1948.
Le vrai Hudson est né Ray Harold Scherer Jr. et est venu d’une petite ville de l’Illinois à 16 miles à l’extérieur de Chicago. Après le lycée, l’homme qui serait Rock s’enrôla dans la marine américaine pour participer à la Seconde Guerre mondiale, où il servit au Pacific Theatre. En 1946, il se rendit à Los Angeles, mais initialement pour retrouver son père biologique, qui avait abandonné sa famille quand Rock était enfant pendant la Grande Dépression.
Hudson a finalement commencé à jouer après avoir envoyé sa photo à Willson, qui a rapidement pris Hudson comme client. Willson est également celui qui a changé son nom en «Rock Hudson», que l’aspirant acteur détestait initialement. Alors que les dents de Rock étaient vraiment coiffées par l’insistance de Willson, l’acteur a baissé la voix non pas en criant « comme une banshee » avec un rhume, mais en se faisant opérer la gorge.
Le premier film de Hudson était une minuscule scène du drame de WB sur la Seconde Guerre mondiale, Escadron de chasse (1948). Même s’il n’avait qu’une seule ligne, il a fallu 38 prises pour que Rock réussisse, quelque chose Hollywood usurpation lorsque son Meg écran test dure 67 prises encore plus stupéfiantes. Pourtant, Hudson a finalement obtenu un contrat à Universal où il a reçu des cours de théâtre, de danse, d’équitation, de chant et d’escrime.
Hudson n’est pas devenu une star avant Magnificent Obsession (1954), un mélodrame romantique où le héros téméraire d’Hudson devient un chirurgien sérieux qui guérit la cécité de son amant. Cela a ouvert la voie à Hudson pour jouer dans de bons films comme George Stevens Giant (1956), pour lequel Hudson a été nominé pour un Oscar, puis pour finalement devenir une comédie romantique étoile. Ses films avec Doris Day, en particulier Pillow Talk (1959), restent des classiques de la forme lorsqu’ils ont commencé à introduire la farce sexuelle dans la formule hollywoodienne familière.
Mais ce dont on se souvient probablement le mieux pour Hudson aujourd’hui, c’est sa vie personnelle – et qu’il était profondément dans le placard en tant qu’homme gay. En 1955, Henry Willson a dû offrir de la saleté à deux autres clients pour empêcher le magazine Confidential de publier un exposé sur la vie sexuelle de Hudson. Peu de temps après, Hudson a épousé la secrétaire de Willson, Phyllis Gates, bien que les arrangements de leur mariage restent contestés par les historiens et les journalistes, certains spéculant qu’elle a fait chanter Hudson sur son homosexualité après leur divorce trois ans plus tard, et d’autres disant que Gates elle-même était lesbienne.
Il n’y a jamais eu de bonheur pour Hudson, qui est devenu ce que Joan Rivers a décrit comme «le visage» du sida après avoir révélé qu’il était séropositif en août 1985. Jusque-là, il avait nié pendant des années être gay. Après son admission, qui est survenue plusieurs mois avant sa mort en octobre 1985, la sensibilisation à la maladie et à la communauté gay s’est accrue… même si le président Ronald Reagan n’a pratiquement rien fait pour le combattre ou même pour mentionner publiquement le sida, bien qu’il soit ami avec Hudson.
Henry Willson
On peut dire que le point culminant de Hollywood est la façon dont Jim Parsons joue Henry Willson avec une ténacité voleuse de scènes. Littéralement décrit par le biographe Robert Holfer comme « L’homme qui a inventé Rock Hudson » (d’où le titre du livre de Holfer), le plus grand succès de Willson est glorifié et satirisé par la série Netflix. Bien sûr, Rock n’était que l’une des nombreuses jeunes stars masculines musclées que Willson gardait dans son écurie…
Le vrai Willson a fait irruption à Hollywood sur un bateau à vapeur. Littéralement. Après avoir quitté Manhattan, où il a écrit des potins pour Variety Willson a emmené un bateau à vapeur par le canal de Panama à Los Angeles en 1933. À bord se trouvait l’acteur et chanteur de l’épouse de Bing Crosby, Dixie Lee , qui Willson a tellement charmé qu’elle lui a obtenu un travail d’écriture pour Photoplay magazine. Son premier article? Un portrait du nouveau-né de Bing et Dixie, Gary Crosby. Willson écrivit bientôt pour The Hollywood Reporter et New Movie Magazine avant de sauter la frontière entre faire des films et écrire à leur sujet.
Il a commencé en tant que cadre subalterne à l’Agence Joyce & Polimer et a rapidement déménagé dans un autre appartenant au quatrième Marx Brother oublié, Zeppo, avant de travailler ensuite pour David O. Selznick au plus fort de son Autant en emporte le vent Puissance des années 40 en tant que chef du département de casting de Selznick. Tout cela a ouvert la voie à Willson pour ouvrir sa propre agence en 1944.
Avant Rock, sa plus grande découverte probable était la future bombe blonde Lana Turner. Willson lui avait été présentée comme Judy, une étudiante à Hollywood High dont la capacité à remplir un pull a attiré son attention. Il l’a renommée Lana en 1937 et l’a présentée à Mervyn LeRoy à WB. Le reste appartient à l’histoire (y compris l’avenir scandaleux de Lana, notamment le meurtre de son petit ami). Cependant, il est juste de dire que Lana n’était pas le type pour lequel Willson était connu.
Bien avant de signer Rock, Henry s’est forgé une réputation de croisière dans les bars gays Sunset Strip où il a promis aux jeunes hommes des opportunités professionnelles pour des faveurs personnelles. Son premier client était en fait un amant nommé Junior Durkin, décédé dans une collision de voiture en 1935. Et à part Rock, son écurie comprenait des stars comme Tab Hunter, Robert Wagner et Guy Madison, dont la plupart ont personnellement renommé Willson. Sa demande de couler la coopération du canapé de ses clients masculins principalement gays, bisexuels ou désespérés était un secret ouvert dans la ville qu’Ann Dornan a raconté à la biographe Suzanne Finstad comment, lorsqu’elle a découvert qu’un jeune homme avait Willson pour agent, «il était presque supposé qu’il était gay, comme si c’était écrit sur son front. »
Cependant, son incapacité à empêcher son homosexualité de devenir une connaissance courante parmi les tabloïds et les chroniqueurs, et sa propre consommation d’alcool et de drogue, ont conduit Willson à devenir un paria dans les années 1960. Il n’y avait pas de future carrière de producteur hollywoodien pour Henry, malgré ce que Ryan Murphy vous raconte. Des acteurs plutôt jeunes et prometteurs, gays et hétéros, ont commencé à prendre leurs distances ou à éviter Willson afin d’éviter d’être étiquetés gay par les studios et les journalistes. Lorsque Willson est décédé au cinéma et à la maison de campagne du cinéma et de la télévision en 1974, il était si pauvre qu’il a d’abord été enterré dans une tombe banalisée.
Hattie McDaniel
Elle est tellement gentille! C’est le point à retenir de la brève mais cruciale apparition de la reine Latifah dans le rôle de Hattie McDaniel. Dans la deuxième de ses deux scènes, elle s’assoit avec Camille Washington (Laura Harrier), qui est représentée dans la série comme la première starlette glamour afro-américaine. Hattie donne toujours plus de conseils à Camille pour faire campagne pour un Oscar dans la catégorie actrice principale pour Meg fournissant des conseils que personne à Hollywood n’a suivis jusqu’à Harvey Weinstein. Pourtant, dans ce spectacle, cela se passe en ’47 comme un doux passage du flambeau … L’héritage de McDaniel et sa véritable relation avec la prochaine génération de talents afro-américains, en particulier la première star de cinéma glamour de couleur, Lena Horne, était beaucoup plus compliqué.
Comme le montre la série, McDaniel est née fille d’esclaves – un fait que le service de publicité de MGM a choisi de ne pas publier lors de la sortie de Autant en emporte le vent . Son père a même été blessé de façon permanente après avoir fui une plantation du Tennessee en 1863 pour rejoindre l’armée de l’Union, où il a perdu des orteils à cause d’engelures, et a été visiblement défiguré par des blessures sur le champ de bataille. Hattie a été élevée au début du siècle au Kansas et au Michigan pour être cuisinière et femme de ménage comme sa mère. Mais après avoir vu ses frères s’essayer au show-business, elle a abandonné l’école à 16 ans et a commencé une carrière dans le divertissement.
Elle avait 21 ans quand elle a écrit la musique et les croquis de son premier spectacle de ménestrels entièrement féminin, où les interprètes noirs portaient un visage noir, bien que cela soit probablement plus subversif des stéréotypes blancs que les spectacles de ménestrel originaux qui ont donné au monde «Jim Crow . » À 38 ans, McDaniel s’installe à Los Angeles pour tenter un coup à Hollywood. Déjà veuve de son premier des quatre mariages, elle a mis un pied dans la porte avec la radio puis le cinéma. Au plus fort de la Grande Dépression, Hattie était très bien avec les femmes de chambre, les cuisiniers et les domestiques dans les films. «Je pourrais être une femme de chambre pour 7 $ par semaine ou je peux jouer une femme de chambre pour 700 $ par semaine», a-t-elle déclaré plus tard. Elle a également créé une niche en jouant des domestiques qui ont répondu, roulé des yeux et même jugé tranquillement leurs employeurs blancs. Cela a conduit à agir aux côtés de l’Afro-américain Paul Robeson dans James Whale Show Boat (1936) et cela a conduit à Autant en emporte le vent .
Souvent connu maintenant pour les implications insidieuses de son personnage Mammy – le nom littéral du stéréotype blanc raciste pour les femmes noires âgées en surpoids asservies dans les spectacles de ménestrels – McDaniel dépeint une femme heureuse d’être l’esclave de Scarlett O’Hara, et qui a même traité comme une chère tante («excusant» ainsi son asservissement). Pourtant, Mammy était encore plus nuancée que n’importe quel rôle offert aux acteurs noirs dans un grand film hollywoodien à l’époque. Contrairement au roman de Margaret Mitchell, Mammy de McDaniel juge et même gronde Scarlett de Vivien Leigh. Que ce soit intentionnel ou non par les cinéastes blancs, McDaniel devient la chose la plus proche d’une boussole morale ou d’une chorale grecque dans ce film. McDaniel a déclaré aux journalistes de journaux noirs qu’elle était inspirée par la dernière génération de mères nées dans la servitude qui élèveraient des innovateurs dans la communauté afro-américaine comme Booker T. Washington et Washington Carver.
Pourtant, McDaniel n’était pas autorisé à assister à la première Autant en emporte le vent à Atlanta. De plus, alors qu’elle a été autorisée à s’asseoir dans le public lors des Oscars de 1940 (malgré ce qui se passe à Hollywood ), l’hôtel Ambassador a traité cela comme une faveur spéciale car elle n’avait pas de -noir la politique et l’obliger à s’asseoir à une table au fond de la pièce. Lorsqu’elle est devenue la première personne de couleur à remporter un Oscar, elle a déclaré dans son discours d’acceptation: «Je le tiendrai toujours comme un phare pour tout ce que je pourrai faire à l’avenir. J’espère sincèrement que je ferai toujours honneur à ma race et à l’industrie du cinéma. »
Malgré le triomphe, et le producteur David O. Selznick la signant pour un contrat, le seul rôle majeur qu’elle a de nouveau obtenu était un rôle de soutien dans Dans This Our Life (1942 ), dans laquelle elle incarne la mère d’un jeune homme noir accusé à tort de renverser un piéton blanc. Son discours sur la façon dont les hommes noirs sont souvent discriminés par la police a été retiré des copies du film du Sud par les censeurs géorgiens.
Pendant ce temps, Hattie entretenait une relation litigieuse avec le chef du NAACP, Walter White, ainsi qu’avec de jeunes artistes noirs, tout au long des années 40. Elle n’aimait pas les appels du NAACP pour obtenir de meilleurs rôles non soumis pour les acteurs noirs parce qu’elle faisait partie d’une génération qui craignait que les studios cessent de lancer des talents noirs, ou qui les remplacerait par une génération plus jeune non présentée comme «Mammy» . » Alors qu’elle avait une relation initialement amicale avec Lena Horne, qu’elle a invitée chez elle, il y avait aussi du ressentiment.
« Quand vous me demandez de ne pas jouer les rôles, qu’avez-vous en retour? » McDaniel a informé Hedda Hopper de ses demandes d’arrêter de jouer aux domestiques. Et concernant Horne, elle a tristement dit lors d’un discours NAACP que Horne était «un représentant du nouveau type de n *** er féminité». Elle s’est ensuite corrigée pour dire qu’elle voulait dire «féminité nègre», mais une fois que les reportages sur l’événement ont été publiés, c’était effectivement la fin de sa carrière cinématographique.
Dans sa vie personnelle, McDaniel a eu quatre maris, bien que certains historiens insistent sur le fait qu’elle était membre du Hollywood Sewing Circle, qui était une collection rumeur d’actrices bisexuelles et lesbiennes qui étaient dans des «mariages de lavande» avec des hommes gais. Hollywood joue cet aspect. Quoi qu’il en soit, elle a divorcé pour la dernière fois lorsqu’elle est décédée d’un cancer du sein en 1951.
Vivien Leigh
Mais alors que «Mammy» a un rôle relativement important dans Hollywood sa chère Scarlett O’Hara apparaît plus comme une blague récurrente. Bien que jouée par Katie McGuinness comme une star de cinéma voleuse et vaniteuse qui a besoin de réciter toutes les meilleures répliques de Scarlett lors des dîners, et qui est mystifiée de savoir où est « Larry », la Leigh réelle a souffert d ‘ »épisodes » de trouble bipolaire et était mariée à son mari de l’époque, Sir Laurence «Larry» Olivier, lors du décor de la série en 1947.
Née Vivian Mary Hartley en 1913 en Inde britannique, Leigh était la fille d’un officier de cavalerie britannique avant de découvrir au pensionnat qu’elle avait une passion pour le théâtre. Elle avait 13 ans au moment de son premier succès sur la scène du West End de Londres et a continué à avoir des triomphes précoces, y compris lorsqu’elle a rencontré l’amour de sa vie, Laurence Olivier, à l’âge de 23 ans en 1937. Début d’une liaison avec le boursier thespian tout en agissant dans la pièce Fire Over England la paire semblait semi-charmée, sauf pour la petite question de chacun étant marié à quelqu’un d’autre. Peu importe!
Leur état matrimonial est devenu un problème pour eux deux, cependant, quand ils sont arrivés à Hollywood, avec l’équipe de relations publiques de Samuel Goldwyn ayant besoin de déguiser le style de vie bohème de leur nouvel homme de tête à Heathcliff en Wuthering Heights (1939). Leigh est venue à Los Angeles pour être avec Larry mais a refusé l’offre du réalisateur William Wyler de jouer un rôle de soutien dans le film – elle voulait être Cathy ou pas de dés. Heureusement, elle voulait aussi être Scarlett O’Hara. Comme toutes les autres aspirantes actrices, elle a lu Autant en emporte le vent en 1936 et pensait qu’elle serait parfaite en tant que Scarlett; elle a même dit à son agent d’instruire le producteur David O. Selznick pour que cela se produise. Cependant, Selznick a vu Leigh dans Fire Over England et l’a jugée «trop britannique».
La légende raconte que le frère de Selznick, Myron, a amené Leigh et Olivier au Autant en emporte le vent où ils brûlaient déjà Atlanta, pour faire pression pour Vivien. David a accepté un test d’écran et bien sûr, il avait sa Scarlett. Malgré un tollé public, en particulier dans le Sud, à propos d’une Anglaise vivant avec son mari qui joue Scarlett, sa performance en tant que fantaisie ultime de Southern Belle dans le film le plus populaire de tous les temps est devenue un mythe, gagnant Leigh premier de deux Oscars.
Par la suite, elle se débattit avec Selznick sur de futurs rôles, voulant souvent travailler avec Laurence en tant que jeunes mariés (ils se débarrassèrent finalement tous les deux des ex avec des papiers de divorce en 1940), et apparut avec lui à Broadway en Roméo et Juliette . Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle et Olivier sont retournés en Grande-Bretagne où ils ont joué dans That Hamilton Woman (1941), un film d’Alexander Korda sur les maîtresses et la lutte contre les guerres napoléoniennes (mais vraiment sur pourquoi l’Amérique doit aider à combattre Hitler). Il est devenu un favori de Winston Churchill, qui a fait des Oliviers des compagnons de boisson fréquents pour le reste de la guerre et au-delà. Pendant ce temps, Leigh a également joué le rôle de Cléopâtre en face de Claude Rains ‘Julius dans la version cinématographique de César et Cléopâtre (1945).
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Alors que Hollywood reprend en ’47, c’est près de là où nous la rencontrons, même si elle était alors en vedette dans des productions au Old Vic Theatre de Londres, où Larry servait maintenant au conseil d’administration, cela semble difficile à suivre – tout comme elle se prépare à jouer dans les débuts du West End de Tennessee Williams Un tramway nommé désir car cette pièce ne s’est pas ouverte au Royaume-Uni jusqu’en 1949. Bien que Leigh jouerait le personnage principal de Blanche DuBois dans la version hollywoodienne en 1951, remportant son deuxième Oscar pour la performance.
Ces succès idylliques, cependant, ont été trempés par une ombre. Olivier prétend avoir été témoin de son premier épisode de dépression en 1938, mais ce que nous appelons maintenant le trouble bipolaire n’est devenu pleinement manifeste à Leigh qu’après une fausse couche pendant le tournage Caesar and Cleopatra in ’45. C’était un an après qu’on lui ait diagnostiqué une tuberculose dans le poumon gauche, qui, bien qu’apparemment guérie, n’a fait qu’ajouter aux «crises d’hystérie» qu’elle a subies après avoir perdu un enfant.
En 1953, elle a été licenciée de la promenade d’éléphants de Paramount après avoir subi une dépression nerveuse, remplacée par Elizabeth Taylor. Au cours de cet épisode particulièrement violent, les Oliviers n’ont pas pu cacher sa bataille contre la maladie mentale et son ami David Niven a dit qu’elle était «assez, assez folle». Laurence a même envoyé sa femme dans un hôpital psychiatrique où elle a été laissée avec des cicatrices de la thérapie expérimentale par électrochocs qu’elle a subie. Ce fut le début de son véritable déclin, et non de «l’hospitalisation» ricanée jetée dans une ligne de Hollywood . En ’56, elle a subi une autre fausse couche et, après un autre épisode de dépression, a suivi Laurence lors d’une tournée européenne de Titus Andronicus où leurs combats sont devenus un événement nocturne pour l’équipage à endurer . L’un d’eux a quitté Vivien avec un œil noir caché sous un cache-œil.
Le couple a divorcé en 1960, et tandis que Leigh a continué, elle a découvert que sa tuberculose refait surface en mai 1967. Elle était morte en juillet.
George Cukor
Pendant ce temps, le premier réalisateur de de Autant en emporte le vent – une production dont il a été licencié – apparaît également brièvement dans Hollywood : George Cukor. Un petit rôle dans la série, il est simplement le célèbre réalisateur dont la fête à la maison se transforme en un événement échangiste. C’est plus difficile à établir car alors que d’autres hommes gais riches à Hollywood sont plus largement connus pour avoir participé à des soirées de libidinosité, y compris le Cole Porter, un cabinet public ou James Whale ouvertement gay (directeur de Frankenstein, épouse de Frankenstein et L’homme invisible ), ce n’est que récemment que de telles histoires ont commencé à circuler à propos de Cukor.
D’une manière générale, on se souvient de Cukor pour sa haine de soi, étant donné son apparence généralement livresque et maladroite, entouré par la beauté hollywoodienne, et surtout pour être profondément enfermé. Pendant des décennies après sa mort en 1983, Cukor a été reconnu comme le centre de «Hollywood gay», en termes de célébrités et de cinéastes à succès qui sont restés dans le placard mais ont gardé un réseau discret ouvert. Pourtant, ces pool-parties lui sont attribuées par Scotty Bowers (plus d’informations sur Bowers dans un instant). Au-delà de cet élément de la série, Cukor était un réalisateur urbain et à lunettes célébré pour une série de classiques, mais considéré à son époque comme étant principalement le cinéaste de drames d’époque et de «tableaux de femmes».
Les films célèbres de Cukor incluent Petites femmes (1933), Les femmes (1939), Le Histoire de Philadelphie (1940), Gaslight (1944), Adam’s Rib (1949), Une étoile est née (1954) et Ma belle dame (1964).
Cole Porter
En parlant de Cole Porter, il apparaît dans le premier épisode de Hollywood dans un bâillon en tant que John sans pantalon attendant d’être entretenu par l’un des muffins à goujons travaillant à la station-service Dreamland de la série. Le vrai Porter est en grande partie le héros musical américain Ernie de Dylan McDermott. Compositeur de formation classique et auteur-compositeur américain, il est considéré comme l’un des contributeurs les plus importants au recueil de chansons américain des années 1920 et 1930, ainsi que l’un des premiers innovateurs de la comédie musicale moderne de Broadway.
Certaines de ses compositions les plus célèbres incluent «Je t’ai sous la peau», «Je te tire un coup de pied», «Nuit et jour», «Commence la béguine», «Dans le calme de la nuit », Et à peu près tout le recueil de chansons de Kiss Me Kate .
Anna May Wong
Anna May Wong est reconnue comme la première star de cinéma américaine d’origine asiatique, d’où sa déception à juste titre amère quant à la façon dont Hollywood l’a traitée, comme le juge la série Netflix. Hollywood vous rappelle surtout à quel point il était incrédule que Wong (Michelle Krusiec) ait perdu le rôle d’un caractère chinois nommé O-Lan pour le lys blanc Luise Rainer dans MGM La bonne terre (1937). Cependant, ce n’était que le plus grand revers personnel dans une carrière qui en a été remplie.
Née de parents sino-américains de deuxième génération vivant à 1905 à Los Angeles, Anna (née Wong Liu Tsong) a vu la colonie de films naissante surgir autour d’elle. Hollywood est devenue une annexe somnolente de Los Angeles à la capitale du cinéma alors qu’elle était adulte, et Wong à son tour est devenue fascinée par l’image animée silencieuse. Elle a fait irruption dans le film en devenant une figurante en The Red Lantern (1919) sans la permission de son père. En 1922, et à l’âge de 17 ans, elle obtient son premier rôle principal dans le premier film bicolore Technicolor, Le bilan de la mer . Elle était devenue une star à 19 ans en incarnant un esclave mongol intrigant en face de Douglas Fairbanks dans Le voleur de Bagdad (1924).
Cependant, elle a rapidement appris la limite de ces rôles, car tout au long de sa vie, elle a continué à être interprétée comme des rôles « indigènes » et « exotiques », de Tiger Lily dans un film de 1924 de Peter Pan à la princesse Ling Moy dans le début du talk-show du Dr Fu Manchu, Fille du dragon (1931). Les lois contre le «métissage» dans le Sud ne lui ont pas permis d’obtenir un rôle principal où elle pourrait avoir un véritable intérêt amoureux avec une co-star masculine (et le code Hayes plus tard interdit les relations interraciales). Elle a été constamment moulée dans des parties de « Dragon Lady », même dans des films comme Marline Dietrich classique, Le Shanghai Express (1937).
Après avoir visité le village chinois ancestral de sa famille à la fin des années 30, elle s’est concentrée sur la mise en vedette dans des films B qui dépeignent les Américains d’origine chinoise et les immigrants sous un jour positif, et sur la collecte de fonds pour aider la Chine contre le Japon pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle se retire largement du cinéma dans les années 40, mais devient la première actrice américaine d’origine asiatique d’une série télévisée en mettant en vedette dans les années 1951 The Gallery of Madame Liu-Tsong .
Irving Thalberg
Irving Thalberg apparaît dans Hollywood pour un seul flashback sur les «vieux jours» sur le tournage de The Good Earth ( 1937). Thalberg, le fils new-yorkais d’immigrants juifs, est également considéré comme l’un des plus grands producteurs de films de l’âge d’or hollywoodien qui pourrait devenir encore plus légendaire s’il ne s’était pas enfoncé dans une tombe précoce. Il a fait ses débuts chez Universal où il s’est fait un nom en produisant des films d’horreur de Lon Chaney Sr. comme Le Bossu de Notre-Dame (1923), il a rapidement déménagé au nouveau MGM de Louis B. Mayer où Thalberg a aidé à construire le statut du studio comme ayant «plus d’étoiles que dans les cieux».
Pendant son séjour à MGM, il a aidé à transformer Joan Crawford, Greta Garbo, Clark Gable et Norma Shearer en stars de cinéma, dont cette dernière est devenue sa femme. Il était également un innovateur, étant surnommé dans les années 190 comme un «garçon génie» par Cecil B. DeMille. Il a aidé à ouvrir la voie aux premiers films d’horreur américains chez Universal, a poussé MGM à réaliser le premier film avec une distribution entièrement en noir et a créé le concept de «conférences d’histoire» et de «aperçus». En 1936, à l’âge de 37 ans, il mourut d’une pneumonie.
Trémie Hedda
La célèbre chroniqueuse hollywoodienne fait une brève apparition lors du dernier épisode de Hollywood lorsqu’elle interviewe Henry Willson de Parsons. À l’origine, Hedda voulait elle-même être une star de cinéma, venant à Hollywood naissante en 1923 après avoir déjà joué dans des films muets dans les années 1910 à New York (et une tentative ratée de devenir un Ziegfeld Follie). Elle a été joueuse sous contrat pour Louis B. Mayer Pictures tout au long des années 20 mais n’est jamais devenue une star.
Elle est donc devenue une chroniqueuse de potins à Hollywood et l’une des personnalités les plus célèbres et les plus influentes de l’industrie. À l’apogée de sa popularité dans les années 40, les colonnes de Hopper Los Angeles Times étaient syndiquées à travers le pays avec un lectorat de plus de 35 millions d’Américains. Cependant, elle est maintenant largement regardée avec mépris et infamie pour être l’une des mégaphones les plus bruyantes et les champions du Comité américain des activités non américaines de la maison.
Fervente anti-communiste, elle a nommé de supposés communistes dans ses colonnes, a contribué à ruiner les carrières et a aidé à diriger la Motion Picture Alliance pour la préservation des idéaux américains, un groupe qui a invité le HUAC à Hollywood et a aidé à faire respecter publiquement la liste noire. Elle a également révélé à toute personne qu’elle pensait peut-être être communiste mais certainement homosexuelle dans ses colonnes comme étant gay. Donc, sa non-réactivité face à la sortie de Rock Hudson en tant que gay le soir des Oscars à Hollywood qui se déroule pendant le Red Scare, est un peu étrange.
George Hurrell
George Hurrell apparaît également brièvement comme le photographe glamour qui prend des photos extravagantes de Camille et Jack. Il était vraiment le photographe de référence pour la création de mythes de stars de cinéma dans les années 30 et 40, et est probablement responsable de la plupart des photos en noir et blanc les plus frappantes que vous ayez jamais vues des stars de l’âge d’or. Il a été embauché au début des années 30 par Irving Thalberg (lui encore) pour aider à façonner l’image des stars de MGM qui comprenaient Jean Harlow, Clark Gable, Joan Crawford, Anna Mae Wong, Carole Lombard, Rosalind Russell, et plus encore. Il a également déménagé pendant une partie des années 40 à WB où il est responsable des images saisissantes de James Cagney, Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland et de la mythologie visuelle autour de Humphrey Bogart et Lauren Bacall. Il a également aidé à construire l’iconographie visuelle de Rita Hayworth à Columbia.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Hurrell a participé à la première unité de cinéma pour les forces aériennes de l’armée américaine. Il a continué à travailler à Hollywood dans les années 40, y compris en prenant cette fameuse photographie de Jane Russell pour Howard Hughes le The Outlaw mais après que son style soit tombé en disgrâce dans les années 50 avec l’avènement d’une réalité plus terre à terre provoquée par le cynisme d’après-guerre et le jeu d’acteur Method, il met fin à sa carrière dans la publicité.
Mickey Cohen
Je suis presque sûr que le gangster Henry Willson arrive à battre un journaliste de tabloïd est censé être Mickey Cohen (il vient de s’appeler Mickey en Hollywood ). Mickey was a wiseguy who came up with Jewish crime outfits in Prohibition era New York before working for Al Capone in Chicago and then Meyer Lansky and Bugsy Siegel in Cleveland. In 1939 he carved Los Angeles out for himself when Lansky sent him to the west coast to work with Bugsy, who was building the Flamingo Hotel in Las Vegas.
Mickey’s reign was relatively brief after the U.S. Senate Committee known as the Kefauver Commission took a page out of Chicago’s playbook and pinched Mickey on tax evasion in 1951.
Scotty Bowers
Scotty Bowers does not appear as an actual character in Hollywood but his presence is paramount in the project. It was while discussing his memoir, Full Servicethat star Darren Criss (who plays Meg director Raymond) and Ryan Murphy first got the idea to make a TV series set in the underground gay community of 1940s Hollywood. However, Bowers wasn’t technically gay; he was a veritable sexual Olympian as well as an entrepreneur.
With the 2012 publication of Full ServiceBowers (who passed away in 2019) revealed that he operated a prostitution ring that serviced, among others, the stars out of a gas station on the corner of Hollywood Blvd. and Van Ness Avenue. Happily providing sexual relief to men and women for a price, he and his ring of men (and some women) became the toast of parts of town, a feat that appears genuine considering the ring’s been hinted at for decades, and actor Beach Dickerson left Bowers multiple houses in his will (after naming a racehorse after him).
However, the extravagant depth of Bowers’ claims personally strikes me as a little more dubious. He says he waited until he was in his 90s to come forward because all of his famous partners and clients were dead and couldn’t be embarrassed, but they also couldn’t sue. A sampling includes George Cukor, Cole Porter, Bette Davis, Cary Grant and Randolph Scott (together and separately), Ava Gardner and Lana Turner at the same time, Vivien Leigh while some of his male tricks handled Laurence Olivier, Spencer Tracy while female tricks handled Katharine Hepburn, Rock Hudson, setting Rock Hudson as an employee up with Cary Grant, Tennessee Williams, Bob Hope, Errol Flynn, William Holden on the night they shot the end of Sunset Blvd.and no less than J. Edgar Hoover and Edward VIII, the former King of Britain.
Given the veritable who’s who in his kiss and tell, I take a large helping of salt with it. But he was still a former U.S. marine who fought in Guadalcanal and Iwo Jima, the latter of which his older brother also fought and died at. Obviously Hollywood’s Jack Castello (David Corenswet) and Dylan McDermott’s Ernie are both based on Scotty, with Jack as the young hunky World War II vet looking to support his family by jumping in the pool, and Ernie as the actual pimp who ran the show. For the record, Jack also appears to be based on Audie Murphy, the Western actor and future movie star who did fight in the Battle of Anzio like the fictional character. However, he did not turn tricks. In fact, he was a nationwide war hero after receiving the Medal of Honor for holding off a whole German company by himself.
Lena Horne
Another historical figure who doesn’t actually appear in Hollywood but seems to be a major influence on it is Lena Horne. Arguably the first African American movie star, and certainly the first glamorous one who was meant to appeal to all audiences, Horne came to prominence in Tinseltown during the World War II years.
Prior to Hollywood, Horne was a nightclub singer who broke in at Harlem’s famed Cotton Club–a joint where black performers danced and sang for white-only audiences–and while it’s where her career began, Horne did not have fond memories of the working conditions or the cynicism of the fellow showgirls she leapfrogged over because of her looks and probably her lighter skin tone. Actually raised in an upper middle class subsect of the black community in first Brooklyn and then Pittsburgh, Lena found her element more at the Cafe Society in Manhattan. There she commiserated with bandleader Charlie Barnett and liberal intellectuals in the audience like Orson Welles… she actually began a years long affair with the future Citizen Kane filmmaker by the time they were both in Hollywood and while he was making Kanewhich might influence the relationship between Camille and Raymond on Hollywood.
MGM eventually signed her in 1942 to be their first African American actress groomed for movie stardom and glamour girl sophistication. MGM, which had made one all-black musical in 1929, came to the realization that African American audiences go to the movies too! As we live and breathe… Horne became the talk of the black community in this time (much to the chagrin of some older actors like Hattie McDaniel) and would star in the studio’s second all-black musical, Cabin in the Sky (1942). Yet her star power was cemented in 20th Century Fox’s Stormy Weather (1943), which had Horne sing the titular scorch anthem and make it her own.
Yet Horne’s time in Hollywood was always bittersweet because she was often viewed as “haughty” by the local black community due to her rubbing shoulders with an almost all-white industry, as well as dating white men with her lighter skin, while still almost never getting lead roles from those white colleagues. Southern states refused to show either Cabin in the Sky or Stormy Weatherand their laws against interracial relationships also affected the Hayes Code, making it impossible for Horne to have a romantic relationship with white co-stars. And as there were no black leading men of her generation, or even black male actors required to do more than musical sequences or play servants, she wound up being wasted by MGM who continued casting her as glorified lounge act supporting characters.
During the war, she demanded to sing almost exclusively for black segregated soldiers on the USO Tour, and after the war she faced her biggest disappointment when MGM remade Show Boat in 1952. She wanted desperately to play Julie LaVerne, a major character who is biracial but can pass for white. Her career is ruined after local Southern communities discover she is half-black. Despite being a natural singer previously cast in “exotic” roles or as Spanish characters in the past, MGM passed her over, rationalizing she was too famous as a black woman for white audiences to believe she was anything but. They instead cast Ava Gardner, who needed to have her singing dubbed.Even so, Gardner and Horne remained lifelong friends, and as Horne told it, she and Gardner would rehearse the project by going over to her house and getting liquored up on gin while singing showtunes each afternoon. Perhaps Camille and Samara Weaving’s Claire Wood in Hollywood are based on this friendship?
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