HBO Max est là, et pour ceux qui ont hâte de revisiter Friends pour la énième fois ou attendez patiemment « The Snyder Cut » »De Justice League pour être réellement voulue, c’est une bonne nouvelle. Pourtant, pour les cinéphiles d’un certain type, la chose la plus excitante du nouveau service de streaming est son accès à ce qui est sans doute la plus riche collection de classiques hollywoodiens au monde.

Pas depuis la fin inutile de FilmStruck, il n’y a eu un service de streaming avec ce niveau de densité de cinéma classique. Avec l’accès au coffre-fort Warner Bros. de Golden Age Hollywood, ainsi que tous les droits du film MGM d’avant 1986 achetés par Ted Turner à ce qui était autrefois le plus grand studio du bloc, HBO Max dispose d’une grande variété de variétés. Également partenaire de la Criterion Collection, HBO Max est le paradis des cinéphiles.

Par souci de clarté, cette liste se concentrera principalement sur les classiques hollywoodiens produits pendant le proverbial Golden Age (entre les années 1920 et 1960) ou le début de New Hollywood dans les années 1970, qui à ce stade ressemble également à un perdu son âge d’or. Alors asseyez-vous pendant que nous vous présentons certaines des nombreuses options.

2001: Une odyssée spatiale (1968)

Pour toute sa carrière, Stanley Kubrick a dit qu’il voulait changer la façon dont les gens faisaient des films, et il l’a fait avec la réalisation stupéfiante de 2001: Une odyssée de l’espace . Raconter une épopée interstellaire qui commence par la naissance de l’homme et se termine par un type énigmatique de premier contact au-delà d’une porte stellaire sur l’une des lunes de Jupiter, 2001 est une fantasia psychédélique de une imagerie qui hante encore tout son médium. Avec une vision qui alterne entre une grandeur envoûtante alors que les stations spatiales se balancent vers la valse du «Blue Danube» et la terreur primitive de l’obsolescence technologique – personnifiée par la voix désincarnée de l’ordinateur HAL 9000 – celle-ci est pour les âges.

42e rue (1932)

Un film important dans l’histoire de la comédie musicale – sinon nécessairement le plus grand exemple d’un – 42nd Street est reconnu pour avoir inventé la «comédie musicale en coulisses» et les nombreux tropes cela deviendrait bientôt des clichés au cours des 30 prochaines années. Celui-ci a tout pour plaire: un coup de chance pour le directeur musical qui risque sa propre santé pour faire naître une star; une inversion de casting de dernière minute le soir de l’ouverture; et la naïve ingénue qui « sort un jeune mais revient une star ». Oui, cette ligne est aussi dedans. Vraiment, cela vaut la peine de regarder pour le numéro musical titulaire « 42nd Street », même si le genre était encore à quelques années de Fred et Ginger ayant en fait des mouvements de star-star tout en dansant joue contre joue.

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Adam’s Rib (1949)

Sans doute la plus grande des collaborations de Spencer Tracy et Katharine Hepburn, Adam’s Rib est la comédie romantique dirigée par George Cukor qui montrait quelques avocats mariés aller à la guerre dans la salle d’audience. Pas tout à fait une comédie de vis-à-vis, l’image a un avantage tangible avec sa vision du bonheur conjugal trompeur se renversant parce que Adam de Spence est ébranlé, sa femme Amanda (Hepburn) voudrait reprendre le cas de Doris Attinger (Judy Holliday). Doris est une femme accusée de tentative de meurtre après avoir abattu son mari à l’épaule après avoir découvert qu’il avait une liaison. Mais peut-être qu’Adam est juste vexé depuis qu’il poursuit Doris et devra maintenant faire face à sa femme avec un juge entre eux? Oui, la configuration a encore mordu 70 ans plus tard.

Apocalypse Now (1979)

Certainement un nouveau film hollywoodien, Apocalypse Now est le rêve de fièvre subi par Francis Ford Coppola après des années dans les jungles philippines tout en perdant lentement la tête. Il est allé là-bas pour tourner un film sur la guerre du Vietnam librement basé sur le cœur de l’obscurité de Joseph Conrad – une idée créée par John Milius et George Lucas près de 10 ans plus tôt, alors que la guerre du Vietnam était toujours en cours. sur, c’est là qu’ils voulaient filmer! – mais il est revenu avec quelque chose de plus ésotérique et glissant que ça. Avec des images à couper le souffle des Hueys américains descendant dans les villages nord-vietnamiens vers Wagner et Martin Sheen montant d’un limon primordial comme Lazare après une crise cardiaque (histoire vraie: Martin Sheen a eu une crise cardiaque pendant le tournage), c’est l’étoffe de beaux cauchemars.

Un tramway nommé désir (1951)

L’adaptation cinématographique d’Elia Kazan de la pièce gagnante du prix Pulitzer du Tennessee Williams reste une parabole douloureusement crue sur le danger de compter sur la gentillesse des étrangers. Il représente également un carrefour fascinant dans le cinéma hollywoodien puisque Marlon Brando joue la brutale Stanley Kowalski et Vivien Leigh est Blanche Dubois, une Belle du Sud vieillissante qui est sur sa dernière corde lorsqu’elle emménage avec sa sœur / l’épouse de Stanley, Stella (Kim Hunter). Ainsi, le film met en vedette le visage d’une nouvelle génération de méthode agissant dans Brando et l’icône dont le visage orne les affiches du plus grand succès hollywoodien de tous les temps, Autant en emporte le vent . Sa performance à l’ancienne école contraste brillamment avec les coups de fouet plus instinctifs de Brando, tout comme Blanche se retrouve perdue et meurt lentement dans un monde qu’elle ne comprend plus.

Ben-Hur (1959)

Le réalisateur William Wyler aimait dire que « il fallait un Juif pour faire un bon film sur Christ », mais même alors, il est modeste. Son adaptation du roman de Lee Wallace de 1880, et le remake d’un film muet du même nom de 1925, reste le meilleur film jamais réalisé sur la vie et l’époque de Jésus – bien que nous ne voyions jamais le visage du messie ni ne l’entendions dire un mot. C’est plutôt le bruit de fond de la saga épique de Judah Ben-Hur (Charlton Heston faisant de son mieux pour personnifier une statue de marbre), un prince juif accusé à tort par son ami d’enfance romain et condamné à l’esclavage. Il se bat pour sortir de l’esclavage et monte les sommets de la puissance romaine et des acclamations, en particulier lorsqu’il mène une course de chars dans l’une des plus grandes séquences d’action jamais filmées en 70 mm spectaculaires. Oh ouais, et il est sauvé ou quelque chose par un gars sur la croix à la fin.

Bonnie & Clyde (1967)

Un des films qui est ironiquement crédité de faire tomber l’ancienne méthode étouffante de faire des films pendant «l’âge d’or», Bonnie & Clyde est maintenant l’un des films de l’industrie les plus grandes réalisations des années 1960. Avec une vraisemblance ancrée qui semblait révolutionnaire en 67, le film suit une représentation hautement romantique des vrais voleurs de banque Bonnie et Clyde en les transformant en jeunes héros folk anti-établissement parfaits pour la génération vietnamienne. Pour le meilleur et pour le pire, il a cimenté la puissance des stars de Warren Beatty tout en faisant une star de Faye Dunaway. C’était aussi le film américain le plus violent jamais réalisé lors de sa sortie, et la mort de Bonnie et Clyde a toujours un impact viscéral à chaque fois qu’un nouveau trou de balle est fait dans le corps de ses héros.

Bringing Up Baby (1938)

La comédie de vis-à-vis ultime, Bringing Up Baby demande ce que vous obtenez lorsque vous combinez Cary Grant, Katharine Hepburn et un léopard nommé Baby? Le bonheur cinématographique. Avec l’oreille légendaire de Howard Hawks pour le dialogue rapide de ratatattat de Tommy gun et une prémisse légérement légère sur un paléontologue livresque et une débutante volante qui court dans le Connecticut à la recherche d’un fossile de dinosaure que le chien a enterré, ce n’est rien de moins que la perfection.

Casablanca (1942)

Si vous ne voyez jamais qu’un seul film tourné avant 1950, c’est probablement le cas. Un chef-d’œuvre du système hollywoodien qui tire sur tous les cylindres, tout est surnaturellement parfait sur Casablanca . La direction de Michael Curtiz est à son meilleur car elle décroche chaque jeu de mots zinger et plein d’esprit dans le scénario des frères Epstein; Claude Rains est à son plus sardonique en tant que capitaine français Louis Moralement flexible; Humphrey Bogart et Ingrid Bergman grésillent comme les amants croisés d’étoiles qui auront toujours Paris mais rien d’autre après le retour de son mari supposément mort d’un camp de concentration nazi; et le patriotisme des nationalités américaines et françaises assiégées par la menace du nazisme au plus fort de la Seconde Guerre mondiale.

Bien sûr, la version mélancolique de Dooley Wilson de « As Time Goes By » est devenue un standard pour une raison, mais c’est la scène où de vrais acteurs français chantent « La Marseillaise » alors que leurs personnages sont sous occupation allemande qui vous donneront envie de levez-vous et applaudissez.

Citizen Kane (1941)

AFI a appelé Citizen Kane le plus grand film jamais réalisé. Bien que je puisse m’arrêter avant ces éloges, c’est certainement l’une des images les plus importantes et les plus innovantes jamais produites. En bouleversant la façon dont les films de studio étaient produits en masse, l’écrivain-réalisateur-acteur Orson Welles (et le directeur de la photographie Gregg Toland, à qui Welles a donné une facturation égale) ont réinventé la façon dont les films pouvaient être réalisés et comment un réalisateur pouvait laisser un cachet d’auteur. Citizen Kane ont conjugué un nouveau vernaculaire visuel dans sa satire / suppression de William Randolph Hearst et le journalisme jaune avec sa cinématographie profonde et son éclairage d’ombres contrasté. C’est une histoire américaine de corruption et de mort des plans les mieux conçus. On peut raconter aujourd’hui.

Lumières de la ville (1931)

On peut dire que la meilleure comédie de Charlie Chaplin, City Lights est certainement un exploit audacieux étant donné qu’il est sorti en ’31. Bien que toute l’industrie devienne folle des talkies ans après The Jazz Singer Chaplin a insisté pour conserver sa vision d’un film de plus pour son alter ego à l’écran, le Tramp. Cependant, il a utilisé des innovations sonores pour écrire personnellement la partition musicale de son film pour la première fois. Le résultat est une romance lyrique sur le clochard qui tombe amoureux d’une fleuriste aveugle (Virginia Cherrill) dans la grande ville. Avec des vignettes poétiques de patinage et de rêverie, le film est réputé être la comédie préférée d’Orson Welles, Stanley Kubrick et Woody Allen.

Cool Hand Luke (1967)

Ce que nous avons ici, c’est un manque de communication. C’est ce que le capitaine de Strother Martin aimait à exprimer chaque fois que Luke de Paul Newman, un condamné dans un gang de chaîne, faisait preuve d’insubordination. Qu’il suffise de dire que l’échec a troublé les deux jusqu’à la fin amère de ce drame carcéral provocateur de 67 qui subvertit le cliché américain du rebelle solitaire en l’amenant à son extrême la plus pathétique et inévitable. En cours de route cependant, c’est amusant de voir tous ces œufs durs se faire manger.

Dr. Strangelove ou: Comment j’ai appris à arrêter de m’inquiéter et à aimer la bombe (1964)

La satire de la guerre froide de Stanley Kubrick est peut-être encore la comédie la plus subversive issue du système de studio hollywoodien. Librement inspiré du roman mortellement sérieux de Peter George Alerte rouge Dr. Strangelove enlève la pisse des prétentions du Pentagone et des rationalisations des think tanks pour la guerre nucléaire deux ans seulement après la crise des missiles cubains. Tourné en noir et blanc, pour mieux ressembler aux drames d’appâts sombres d’Oscar de son époque, Kubrick présente sa farce avec un visage impassible jusqu’à ce que Peter Sellers (dans l’un des trois rôles) arrive dans la salle de guerre du président en tant que Sieg Heil-ing Scientifique nazi qui va entraîner le gouvernement américain dans des grottes pendant les 50 prochaines années alors que des bombes tombent sur Moscou. Il transforme le cynisme en une forme d’art et les nuages ​​de champignons en une étreinte d’amant.

Freaks (1932)

Le classique de l’horreur de Tod Browning n’est peut-être pas politiquement correct selon les normes modernes, mais il fera quand même refroidir votre sang. Le film parle d’une belle trapéziste (Leila Hyams) qui épouse l’héritière de son chef de file du cirque (Wallace Ford). Au début, elle est embrassée par les «monstres» déformés et handicapés du show. Mais après avoir appris la vérité calculatrice, ils viennent la chanter: «L’un de nous.» La fin mettra toujours les poils sur votre peau debout.

Autant en emporte le vent (1939)

L’adaptation technicolore de David O. Selznick du roman de Margaret Mitchell gardera à jamais son statut de film le plus populaire jamais produit. Sérieusement, une fois ajusté pour l’inflation, il a vendu plus de billets que Avengers: Fin de partie et The Rise of Skywalker réunis. Cependant, il est également incroyablement daté de sa représentation malhonnête du sud d’Antebellum et de la mythologie de la «cause perdue» qui prétend que l’esclavage n’était pas si mal, et que le Sud a fait sécession pour de nobles raisons et pour ne pas garder les Noirs américains dans une servitude horrible.

Il est tout à fait compréhensible que ce film soit inatteignable pour vous pour ces raisons, mais en tant qu’œuvre d’art cinématographique, il s’agit toujours d’une fable captivante racontée avec le summum de la production hollywoodienne des années 1930. Vivien Leigh est une légende pour sa performance atypique d’une anti-héroïne profondément imparfaite qui survit à la guerre civile et à la reconstruction par tous les moyens nécessaires, et la façon dont le score élégiaque de Max Steiner gonfle autour d’elle alors qu’Atlanta tombe et elle doit parcourir des milliers de morts et les extras mourants témoignent toujours de la puissance du cinéma, tout comme la colère biblique du général d’Union William Tecumseh Sherman alors que cette ville est alors consumée par les flammes.

Harold et Maude (1971)

La plus inhabituelle des histoires d’amour, Harold et Maude est la comédie romantique coquine de Hal Ashby sur un jeune homme (Bud Cort) qui tombe amoureux d’une beaucoup ] femme plus âgée (Ruth Gordon). Certainement un film qui a embrassé la contre-culture de son époque, Harold et Maude a également très bien vieilli comme une romance doucement excentrique qui essaie de provoquer avec ses 91 minutes de livraison à mort.

King Kong (1933)

Toujours le meilleur film de «monstre géant» jamais réalisé, le film sur les grands singes de Merian C. Cooper a exploité quelque chose de mythique (et problématiquement primal) dans sa vision d’un gorille à partir de fils d’aventure colonialistes du XIXe siècle gravissant le sommet littéral du début du XXe ingéniosité du siècle lorsque Kong monta sur l’Empire State Building. Plus que le film d’aventure définitif de la Dépression, il a inspiré tout ce qui est venu ensuite de Godzilla à Jurassic Park . Il se tient également debout parmi ses descendants avec une pseudo-romance «la beauté et la bête» entre Kong et les poumons hurlants infâmes de Fay Wray. Malgré les connotations raciales, King Kong est vraiment la huitième merveille du monde.

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Lys des champs (1963)

Le film qui a valu à Sidney Poitier l’Oscar du meilleur acteur – une première pour un homme de couleur – Lilies of the Field est une parabole d’un homme nommé Homer persuadé par des religieuses allemandes étonnamment malhonnêtes pour leur construire une chapelle en Arizona. Poitier passe du bricoleur non rémunéré au don apparent de Dieu – le titre est tiré du Sermon du Nouveau Testament sur la Montagne – mais c’est vraiment sa performance qui apporte de la dimension à ce qui est par ailleurs un archétype bien intentionné créé par des hommes blancs. Un film progressiste pour les années Kennedy, c’est Poitier qui conserve aujourd’hui son caractère poignant.

Réseau (1976)

Le réalisateur Sidney Lumet et la satire étrangement prophétique du scénariste Paddy Chayefsky sur la corporatisation et la corruption des médias sont plus puissants que jamais. Ce film post-Watergate a prédit la menace de Fox News, de l’infodivertissement et de la télé-réalité des décennies avant leur création. Et un témoignage de son héritage est que le « Je suis fou comme l’enfer et je ne vais plus le supporter! » slogan est prononcé par Howard Beale (Peter Finch), un présentateur de nouvelles qui a eu une dépression mentale et est devenu fou de rage. Sa diatribe, cependant, fait appel aux Américains privés des droits des années 1970 et est ensuite transformée par son réseau en un slogan autocollant vide – tout comme la façon dont il est utilisé par les principaux leaders d’opinion à ce jour.

… et ce n’est que le premier acte d’un film qui culmine à Beale devenir un télévangéliste (avant que ce soit une chose) où il prêche la parole de ses suzerains d’entreprise jusqu’au jour où ses notes glissent et il est ensuite exécuté sur la télévision en direct pour une bosse dans les cotes.

Du nord au nord-ouest (1959)

La captivante espionne d’Alfred Hitchcock a été un pionnier en son temps, contribuant probablement à inspirer le ton des films de James Bond qui ont commencé quelques années plus tard autant que les romans d’Ian Fleming. Avec son intrigue familière sur les identités erronées et l’espionnage des femmes fatales, Du nord au nord-ouest est propulsé par le rythme effréné de ses séquences de chasse au ski de fond dans lesquelles un milquetoast Cary Grant doit monter jusqu’à la occasion de devenir un homme international mystérieux s’il espère sauver la fille d’un James Mason arrogant tout en sautant à travers les parois rocheuses du mont Rushmore!

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Sentiers de gloire (1957)

Avant il y avait 1917 il y avait Sentiers de gloire . Le film révolutionnaire de Stanley Kubrick sur la Première Guerre mondiale est toujours une réalisation étonnante avec ses longs plans de suivi à travers le réseau de tranchées du front occidental et l’enfer détourné de ceux qui y sont piégés. Sa caméra suit Kirk Douglas en tant que colonel Dax, un commandant qui doit défendre ses hommes qui ont été accusés d’un acte de lâcheté parce qu’ils ont ignoré les ordres d’attaquer une position ennemie dans ce qui aurait sûrement été une mission suicide. Un film anti-guerre avant cela était chose courante à Hollywood, Paths of Glory reste l’une des images les plus viscérales de la Grande Guerre qui devait mettre fin à toutes les guerres.

Rebelle sans cause (1955)

Le deuxième des trois seuls films de James Dean, Rebel Without a Cause est probablement sa photo la plus célèbre. Concentré sur la nature rauque de la «jeunesse» au cours de la première décennie, la génération de la Seconde Guerre mondiale a dû faire face à la croissance de leurs enfants, Rebel Without a Cause est un film de Nicholas Ray avec une réputation qui Je dirais que c’est un peu plus grand que son mérite réel. Mettant en vedette de formidables performances révolutionnaires de Dean et Natalie Wood (qui ont eu une liaison avec Ray sur le film malgré le fait d’être mineur), le film a tenté de trouver une voix pour la misère inarticulée de la majorité et d’être invité à se conformer. Cependant, ce motif a été mieux réalisé dans les films qui ne se considéraient pas nécessairement comme importants avec un «je» majuscule plus tard.

Singin ’in the Rain (1952)

Je dirais que c’est la plus belle comédie musicale de cinéma jamais réalisée, Chanter sous la pluie c’est comme danser à la lumière des étoiles. Le résultat de l’harmonie parfaite entre la célèbre unité Arthur Freed de MGM pour les comédies musicales, la danse implacable devenue athlétisme de Gene Kelly et le cadrage aéré du réalisateur Stanley Donen, c’est aussi charmant que les fantasmes hollywoodiens. L’essentiel est que c’est un film sur l’avènement du son dans Hollywood des années 1920 où une star de cinéma plus âgée (Kelly) tombe amoureuse d’une actrice en herbe (Debbie Reynolds), qui n’a besoin que d’un rôle d’évasion.

L’arriver à ce moment se heurte à des hijinks, comme si elle était forcée de doubler sa co-star analphabète de l’ère silencieuse (un délicieux lissage de Jean Hagen). Mais c’est vraiment une excuse pour se vautrer en technicolor autant que les premiers talkies-walkies en musique, et pour extraire les meilleures chansons d’Hollywood, y compris le co-écrit Arthur Freed «Singin’ in the Rain ». Ce n’est que maintenant que la chanson devient un standard de tous les temps alors que Kelly la chante avec un rhume tout en sautant dans un backlot gorgé d’eau.

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Stagecoach (1939)

Le film qui a donné naissance à l’un des plus importants partenariats de réalisateurs et de stars de l’histoire du cinéma, Stagecoach est le western qui a associé John Ford à John Wayne, alors inconnu. L’intuition cinétique de Ford sur la façon d’encadrer un homme sur un cheval à Monument Valley, ainsi que la vulnérabilité sous-estimée de Duke en dépit d’être “ un grand homme  », ont créé de nombreuses images mythiques, y compris l’entrée plus grande que nature de Wayne ici en tant que Ringo Kid. Mais Wayne n’est qu’une partie d’un ensemble d’étrangers disparates, certains qui se sont battus pour l’Union et d’autres pour la Confédération, coincés ensemble pour une balade fatigante en diligence à travers le pays Apache. Vous avez aimé Firefly ? C’était Stagecoach dans l’espace.

Les aventures de Robin des Bois (1938)

Plus de 80 ans plus tard et toujours le meilleur film de Robin des Bois, Les Aventures de Robin des Bois est le swashbuckler définitif. En retravaillant le réalisateur Michael Curtiz avec son Captain Blood stars Errol Flynn et Olivia de Havilland, Warner Bros. a capturé la foudre dans une bouteille avec cet événement technicolor. Cimentant l’image de Flynn en tant que prince des voleurs et du prince des voleurs portant des collants verts alors qu’il se balade à travers les arbres de Sherwood, ce Robin Hood frappe toutes les notes de grâce des plus populaires. légendes tout en étant une joie de regarder le faire. De plus, l’utilisation de silhouettes d’ombre pour le combat final à l’épée? Brillant.

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Le grand dictateur (1940)

Mon film préféré de Charlie Chaplin, Le grand dictateur est un film que l’auteur-réalisateur-producteur-star a regretté plus tard en raison de l’apprentissage de l’ampleur de l’Holocauste. Quoi qu’il en soit, sa volonté de se moquer d’Hitler et du fascisme à une époque où de nombreux Américains voulaient se tenir à l’écart de la Seconde Guerre mondiale (et la plupart des studios ne voulaient déranger personne) fait The Great Dictator un acte de courage. De plus, c’est vraiment drôle quand Hynkel de Chaplin, le dictateur fictif d’un pays nommé Tomania, valse avec amour avec un ballon en forme de monde qu’il veut conquérir. Et puis cela peut être profondément émouvant, surtout ces jours-ci, lorsque l’autre rôle de Chaplin en tant que barbier juif se trompe pour Hynkel et utilise une plate-forme mondiale soudaine pour parler à la caméra – une rareté pour Chaplin – et dénoncer «des hommes contre nature, des hommes de machine avec esprits et cœurs de machines. »

Le faucon maltais (1941)

Sans doute le premier film du mouvement du film noir, et l’image qui a fait de Humphrey Bogart une star et John Huston un réalisateur de premier plan, Le faucon maltais est un potboiler définitif sur les bureaux de détective imbibés de gin et les liaisons mortelles. Il incarne Bogie dans le rôle de Sam Spade, une gumshoe de San Francisco qui devient suspect numéro un après que son partenaire mal aimé se soit retrouvé mort dans une ruelle. Non pas que cela détourne Sam du tout, ni les yeux de Mme O’Shaughnessy de Mary Astor ou les esquisses flagrantes des personnages de Peter Lorre et Sydney Greenstreet qui attendent dans les coulisses. Ce film jouit de l’une des plus belles fin de films de tous les temps et sera à jamais l’étoffe dont les rêves sont faits.

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L’homme qui en savait trop (1956)

Un autre des efforts des années 50 d’Alfred Hitchcock, centré sur une identité erronée, celui-ci voit l’homme de famille Benjamin (Jimmy Stewart) jeté dans le fin fond de l’espionnage dans le poignardage après qu’une connaissance se révèle être un espion, chuchotant la vie ou des informations sur la mort dans les bras de Ben avec son dernier souffle. Ces informations conduisent à l’enlèvement du fils de Benjamin et de sa femme Joséphine (Doris Day) et au chantage du couple dans un complot qui culmine avec la nuit la plus excitante de la symphonie que vous êtes susceptible de vivre. Encore une fois, l’un des efforts les plus légers de Hitch, mais même quand il est léger, c’est toujours aussi enflammé.

L’histoire de Philadelphie (1940)

Une autre des plus grandes comédies de tous les temps, George Cukor The Philadelphia Story a retravaillé Cary Grant avec Katharine Hepburn pour sublimer l’effet. Situé dans les airs raréfiés des sangs bleus de la côte est – donc un véritable tronçon pour Hepburn – le film s’ouvre sur Grant Dexter et Hepburn Tracy Lord divorcés mais toujours dans la vie de l’autre de cette manière légèrement incestueuse que l’on voit dans les clubs de pays de la côte est. Ce n’est pas que le reste de son esprit familial: ils aiment Dex bien plus que l’homme qu’elle s’apprête à épouser en escalade sociale George Kittredge (John Howard). Ce mariage sera cependant l’événement de la saison et attirera même le journaliste au nez dur Mike Connor (Jimmy Stewart) au domaine familial pour le week-end. Des détournements, des quantités élevées d’alcool et des incidents très sourcilleux s’ensuivent.

Les chercheurs (1956)

En tant que meilleur film de John Ford, The Searchers était sa première tentative sérieuse de tenir compte de la bigoterie indienne anti-américaine de ses films précédents. C’est également une épopée radicale de vengeance et d’identité culturelle qui résonne aujourd’hui. Également la meilleure vitrine du talent de John Wayne, le film met en vedette le duc en tant qu’Ethan Edwards, un méchant raciste qui vient de rentrer de la lutte pour la Confédération pour voir la famille texane de son frère massacrée par les Indiens Comanches. Enfin, sauf la petite fille de son frère, Debbie.

C’est ainsi qu’Ethan et le demi-Cherokee Martin Pawley (Jeffrey Hunter), qui était un fils adoptif de la famille, partent en quête homérique pour sauver Debbie. Mais au fil des ans, et que Debbie (Natalie Wood) adulte devient une jeune femme mariée à l’un de ses ravisseurs indiens, ce qui devient une mission de vengeance se transforme en quelque chose de plus sombre alors qu’Ethan prévoit d’assassiner sa nièce «ruinée» et que Martin persévère. la sauver d’Ethan. Tout au long du parcours, Ford réalise la photographie la plus impitoyablement belle de Monument Valley jamais consacrée au cinéma.

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Le trésor de la Sierra Madre (1948)

Le film mettant en vedette la meilleure performance de Humphrey Bogart, Le trésor de la Sierra Madre a inspiré Indiana Jones, seule cette version d’Indy est un vieux bâtard. His name is Frank C. Dobbs, and he’s a washed up drunk in Mexico when he lights on the idea of there being gold in them there hills among the Sierra Madre Mountains. So he and another American adventurer enlist Walter Huston’s old-timey prospector to take them in the hills to mine for gold. The problems only occur when they find it, and Dobbs in particular starts sizing up the others’ worth—and if they can make it back to town safely. It’s writer-director John Huston’s personal favorite too.

The Wizard of Oz (1939)

Another classic out of the height of MGM’s heyday, The Wizard of Oz is the masterpiece that transformed L. Frank Baum’s turn of the 20th century specific American fantasy novel into an ageless dream for all future generations. With gorgeous technicolor, ear-worming songs, and a star-making turn by teenage Judy Garland, this is a movie every era of parents continue to pass to their kids for a reason. That’s all the more miraculous when you consider MGM almost cut “Somewhere Over the Rainbow” because they thought the song was too sad for wee ones.

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Return to Oz: A Disturbing ’80s Fantasy Classic

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But this is just a sampling of all the classic movies on HBO Max. For that reason, below is a list of many other all-timers we left off, as well as a few foreign masterpieces from yesteryear you shouldn’t sleep on.

8 ½ (1963)

A Hard Day’s Night (1964)

An American in Paris (1951)

A Star is Born (1954)

Bicycle Thieves (1948)

Black Narcissus (1947)

Breathless (1960)

Carnival of Souls (1962)

Cheyenne Autumn (1964)

Dirty Harry (1971)

Doctor Zhivago (1965)

Foreign Correspondent (1940)

Giant (1956)

Godzilla (1954)

Gold Diggers of 1933 (1933)

Gold Diggers of 1935 (1935)

Great Expectations (1946)

Lolita (1962)

Lord of the Flies (1963)

Love in the Afternoon (1972)

Modern Times (1935)

Now, Voyager (1942)

Of Mice and Men (1939)

Oliver Twist (1948)

Once Upon a Time in the West (1968)

Pat and Mike (1952)

Picnic at Hanging Rock (1975)

Pygmalion (1938)

Rashomon (1950)

Rome, Open City (1946)

Seven Samurai (1956)

The 47 Ronin (1941)

The Seventh Seal (1958)

That Hamilton Woman (1941)

The 39 Steps (1935)

The 400 Blows (1959)

The Blob (1958)

The Hidden Fortress (1959)

The Lady Vanishes (1938)

The Most Dangerous Game (1932)

The Naked City (1948)

The Nun’s Story (1959)

The Red Shoes (1948)

The Thief of Bagdad (1940)

The Trial of Joan of Arc (1962)

The Umbrellas of Cherbourg (1964)

The Wild Bunch (1969)

To Be or Not to Be (1942)

Tom Jones (1963)

Woman of the Year (1942)

Yojimbo (1961)

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