La peur est le langage universel. La terreur est, comme nous l’avons malheureusement vu si souvent, un phénomène mondial. Et les monstres habitent toutes les crevasses de ce petit monde, depuis les recoins les plus profonds du Pacifique Sud jusqu’aux pics les plus reculés du pôle Nord.

Il ne devrait donc pas être surprenant que les films d’horreur soient et aient été une composante du cinéma dans presque tous les pays qui ont adopté la forme d’art. Avec l’amour, la peur est l’émotion humaine la plus profonde, et tout art – en particulier le cinéma – est la façon dont nous exprimons ces sentiments au reste du monde.

Alors que les États-Unis, le Canada et le Royaume-Uni (ainsi que d’autres pays principalement anglophones comme l’Australie et la Nouvelle-Zélande) ont produit des parts saines du catalogue mondial de films d’horreur, il existe une bibliothèque vaste, profonde et diversifiée de sortie de genre qui couvre le monde du Mexique à la Malaisie, depuis les premiers jours des silences jusqu’au Festival de Cannes de l’an dernier. Beaucoup de ces films reflètent à la fois des préoccupations modernes et des mythes profondément enracinés, souvent dans la même histoire, tout en livrant le genre de terreur brute et de péage émotionnel dont on se souvient des meilleurs films d’horreur.

Quelques notes: premièrement, cette liste se limite aux «films d’horreur en langue étrangère», donc aucun titre des pays anglophones ci-dessus n’est inclus. Deuxièmement, notre petit guide commence seulement à gratter la surface de ce qui est disponible sur le marché – il y a des étagères entières de livres sur les films d’horreur de nations comme le Japon, l’Espagne et l’Indonésie. Mais j’espère que cette enquête vous donne un aperçu rapide, d’un premier jalon allemand à un favori mexicain récent, et vous invite à explorer encore plus loin.

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Nosferatu (Allemagne, 1922)

L’ère de l’expressionnisme dans le cinéma muet allemand a produit plusieurs chefs-d’œuvre qui influencent encore l’horreur à ce jour – Le cabinet du Dr Caligari et Der Golem parmi eux – mais cette adaptation non officielle de Dracula tient bon. Il n’ya jamais eu de version plus étrange du Comte que celle jouée par Max Schreck, et l’atmosphère onirique du film hante encore maintenant. Jalon effrayant dans le cinéma d’horreur, il a fait l’objet d’un remake respectueux et également de Werner Herzog en 1979.

Yeux sans visage (France, 1960)

Pierre Brasseur incarne un médecin qui, aidé de sa fidèle gouvernante (Alida Valli), kidnappe des jeunes femmes et enlève leur visage – afin de trouver un visage qu’il peut greffer sur sa fille défigurée Christiane (Edith Scob). Premier film d’horreur français moderne, il a été réalisé par Georges Franju, qui a donné aux débats un ton éthéré et poétique qui a rendu les séquences chirurgicales austères et réalistes encore plus horribles à regarder. Yeux sans visage (titre original: Les Yeux Sans Visage ) a été très influent au fil des décennies, sur tout, depuis un Billy Chanson d’idole d’un film récent de Pedro Almodovar.

Dimanche noir (Italie, 1960)

Sans doute le film qui a donné le coup d’envoi à des décennies de cinéma d’horreur italien, Le dimanche noir était le premier film officiel du directeur de la photographie Mario Bava, qui allait devenir l’une des pierres angulaires de son sortie de genre du pays. L’histoire d’une sorcière qui revient de la tombe pour se venger de ses descendants 200 ans après avoir été brûlée sur le bûcher, l’intrigue pulpeuse est rehaussée par les magnifiques compositions en noir et blanc de Bava et une performance inoubliable de Barbara Steele. Le dimanche noir a lancé Bava sur l’une des carrières les plus influentes de l’histoire de l’horreur.

Tombes des morts aveugles (Espagne, 1972)

Alors que la censure commençait à diminuer en Espagne, le réalisateur Amando de Ossorio a lancé l’une des premières franchises d’horreur qui ne tournaient pas autour d’icônes comme Dracula ou Frankenstein. Ses monstres en titre étaient les cadavres réanimés des Templiers, qui émergent la nuit dans une ville médiévale abandonnée et boivent le sang de leurs victimes. Les Blind Dead véritablement étranges – qui suivent leurs victimes par le son car ils ne peuvent pas voir – sont parmi les meilleurs monstres des années 70, même si le film est lent et entraîné par une misogynie malheureuse. De Ossorio a réalisé trois suites, chacune valant la peine d’être vérifiée.

Qui peut tuer un enfant? (Espagne, 1976)

Un couple britannique en vacances se retrouve pris au piège sur une île au large des côtes espagnoles, où les enfants ont inexplicablement assassiné tous les adultes et recherchent plus de victimes – ce qui conduit au dilemme du titre. Le réalisateur Narciso Ibáñez Serrador crée une atmosphère de crainte absolument suffocante qui ne cesse jamais, et le film fait écho La nuit des morts-vivants dans ses rebondissements climatiques. Le film suggère que les effets de la guerre sur les enfants du monde entier ont conduit les jeunes du monde entier à se retourner contre leurs parents, une motivation effrayante qui semble malheureusement encore plus pertinente aujourd’hui.

Suspiria (Italie, 1977)

Nous continuons de parler de l’influence de nombreux films de cette liste; Suspiria est juste là-haut dans le niveau supérieur en termes de son impact. C’était le sixième film réalisé par le cinéaste italien Dario Argento, qui a lancé sa carrière avec une série de mystères criminels hautement stylisés (le genre connu sous le nom de giallo ) avant de se plonger dans la mythologie surnaturelle avec celui-ci. S’inspirant de son compatriote Mario Bava, Argento a rempli l’écran de couleurs éclatantes, de violence brutale et d’imagerie macabre en filant l’histoire d’une académie de danse face à un groupe de sorcières. Une partition percutante et indélébile de Goblin et une humeur cauchemardesque persistante étaient la cerise sur le gâteau diabolique d’Argento.

Zombi 2 (Italie, 1980)

Si Mario Bava était le poète de rêve de l’horreur italienne et Dario Argento son maître des puzzles, alors Lucio Fulci était le col bleu du genre travaillant dur. Bien qu’il ait travaillé dans tous les genres, Fulci a trouvé la gloire dans les domaines de giallo et de l’horreur – où il a augmenté la violence et le sanglant même si ses films étaient plus grincheux et moins élégamment montés que ceux de ses compatriotes. Zombi 2 (intitulé Zombie aux États-Unis) était une suite italienne non officielle à l’aube de George A. Romero des morts (appelé Zombi en Italie) et présentait certains des zombies les plus effrayants vus à l’écran à cette date, ainsi que des séquences inoubliables comme un gros plan d’un globe oculaire percé et d’un zombie combattant un requin.

La maison du cimetière (Italie, 1981)

Nous avons eu du mal avec laquelle de la célèbre trilogie de Fulci « Gates of Hell » à inclure ici – les deux autres étant La cité des morts-vivants et L’au-delà – et finalement réglé sur le plus intime et pourtant le plus effrayant des trois. Une famille s’installe dans une maison abandonnée avec une histoire sordide, seulement pour découvrir qu’il y a des secrets indicibles qui se cachent dans son sous-sol. La plus cohérente de la trilogie «Enfer», La maison du cimetière a trouvé Fulci en train de trouver un équilibre étrange entre le sang et l’humeur Lovecraftienne.

Funny Games (Autriche, 1997)

Le réalisateur / écrivain autrichien Michael Haneke n’est pas un cinéaste d’horreur en soi, mais presque tous ses films sont vraiment dérangeants à leur manière lorsqu’ils explorent les pulsions les plus sombres du comportement humain du monde réel. Funny Games (que Haneke s’est refait en anglais une décennie plus tard) est le plus horrible de ses films, car un couple et leur jeune fils deviennent les victimes d’une maison sadique et inexpliquée. invasion par deux jeunes hommes au visage frais. Briser le quatrième mur et remettre en question la vision du spectateur pour regarder de telles scènes horribles, Funny Games est un test d’endurance déchirant et glacial.

Ringu (Japon, 1998)

Nous pourrions faire toute une liste de films d’horreur japonais, une riche et longue tradition qui comprend des efforts aussi vastes et superbes que Kwaidan Onibaba Horreurs des hommes malformés et Maison . Mais Ringu est le film qui a introduit J-horror au reste du monde de façon spectaculaire, mêlant la prédilection précédente du genre pour la légende et le folklore avec une technologie moderne et high-tech (pour l’époque ) torsion. L’histoire d’une bande vidéo hantée qui propage la mort comme un virus, Ringu (réalisé par Hideo Nakata) a lancé à la fois une franchise japonaise et américaine ainsi qu’un boom de l’horreur asiatique qui a encore effets d’entraînement aujourd’hui. Et oui, c’est l’un des films les plus effrayants du dernier quart de siècle.

Audition (Japon, 1999)

Takashi Miike est le mauvais garçon du cinéma japonais, mais il est encore mieux connu pour ce relativement restreint – si vous pouvez appeler un film qui culmine avec l’une des séquences de torture les plus atroces jamais engagées pour filmer – la méditation sur la façon dont les hommes tous deux objectivent et craignent le pouvoir de la sexualité féminine. Le veuf Aoyama (Ryo Ishibashi) utilise un faux processus «d’audition» pour se trouver une nouvelle épouse; la candidate finale, Asami (Eihi Shiina), semble parfaite – jusqu’à ce qu’elle ne le soit pas. Audition n’est pas seulement l’un des points de repère de l’horreur J moderne, mais un exploit dévastateur et dévastateur du cinéma à part entière.

Kairo (Japon, 2001)

Kiyoshi Kurosawa avait déjà réalisé neuf longs métrages – dont trois excellentes sorties d’horreur – avant de réaliser ce chef-d’œuvre d’horreur épique et mystérieux. Aussi connu sous Pulse Kairo était une réponse directe à Ringu postulant un avenir proche dans lequel le royaume des morts commence à s’infiltrer dans le monde des vivants via Internet. Rempli d’images effrayantes et de décors apocalyptiques, Kairo frappe également profondément nos vraies peurs concernant la solitude et l’isolement.

L’épine dorsale du diable (Espagne, 2001)

Il a peut-être créé son chef-d’œuvre avec le lauréat de 2006 Pan’s Labyrinth mais le maestro de genre Guillermo del Toro, le film le plus effrayant et à certains égards le plus touchant, est son troisième. L’histoire se déroule dans un foyer pour enfants orphelins pendant la guerre civile espagnole, avec les effets de ce conflit se manifestant à la fois comme une bombe non explosée dans la cour centrale et le fantôme d’un enfant mort. Imprégné à la fois de terreur et de tristesse immense, L’épine dorsale du diable a besoin d’être redécouvert.

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L’Œil (Hong Kong, 2002)

Une production de Hong Kong qui est devenue l’une des réponses les plus connues à l’engouement pour J-horror (inspirant ainsi un remake américain mou), The Eye contient l’un des la plupart des moments de gel de la peau filmés au cours des 20 dernières années. Le reste du film (réalisé par les frères Pang) est bon mais un peu plus conventionnel; mais son histoire est touchante et les Pangs continuent à faire frissonner. La prémisse centrale selon laquelle une fille reçoit une greffe de cornée d’une femme décédée joue certainement dans la peur de mettre quelque chose du corps d’une autre personne dans le nôtre.

Un conte de deux sœurs (Corée du Sud, 2003)

Le boom de l’horreur japonaise a conduit d’autres pays de la région à produire leurs propres exportations cinématographiques, la Corée du Sud en particulier embrassant le genre. A Tale of Two Sisters (refaite en anglais sous The Uninvited ) est basée sur un conte folklorique et suit deux sœurs qui reviennent à leur maison et doit affronter non seulement une belle-mère méchante, mais des fantômes dans la maison et l’histoire sombre de leur famille. Réalisé par Kim Jee-woon (le brutal J’ai vu le diable qui vient de manquer cette liste), Un conte de deux sœurs n’a pas toujours de sens mais il a des frissons, un aplomb visuel et un véritable sentiment de tragédie.

[REC] (Espagne, 2007)

Sorti huit ans après Le projet Blair Witch en Espagne [REC] reste l’une des horreurs les plus efficaces trouvées des films jamais réalisés, sans parler d’un choc véritablement énervant à part entière. Une journaliste et son équipe de tournage se dirigent vers un immeuble d’appartements à Barcelone où les pompiers ont été convoqués, pour se retrouver piégés alors que les résidents commencent à se transformer en fous homicides. Le réalisateur Jaume Balaguero fabrique des montagnes russes sans fin d’une extrême terreur, le tout à travers l’objectif du cameraman, avec une scène finale si cauchemardesque que vous oublierez de respirer. Refaite en Amérique du Nord sous Quarantaine .

L’orphelinat (Espagne, 2007)

Les débuts du réalisateur JA Bayona (qui dirigera plus tard Jurassic World: Fallen Kingdom ), L’Orphelinat est sorti le la même année que [REC] et a aidé à établir l’étendue du spectre du cinéma d’horreur espagnol. Élégant, raffiné, imprégné d’atmosphère et d’effroi (et avec une incroyable performance de Belen Rueda), L’Orphelinat est une histoire de fantômes étrange et profonde qui touche à la perte, à la mémoire et au chagrin d’une manière effrayante qui ne recourt jamais à des peurs bon marché. Nous sommes plutôt heureux qu’un remake américain de longue date ne se soit jamais produit.

Laissez entrer le bon (Suède, 2008)

Basé sur un roman de l’auteur d’horreur suédois John Ajvide Lindqvist, Let the Right One In raconte l’histoire réconfortante d’un petit garçon solitaire de Stockholm qui se lie d’amitié avec l’adolescente suivante porte – qui se trouve être un ancien vampire. Mettant en vedette des performances époustouflantes de Kåre Hedebrant et Lina Leandersson, alors âgés de 11 ans, et réalisé avec une retenue irréprochable par Tomas Alfredson, Let the Right One In est une horreur exquise axée sur les personnages qui a à bien des égards définir le modèle pour les offres de genre «élevées» de la dernière décennie. Le remake américain, Let Me In est également très bien fait.

Martyrs (France, 2008)

En termes modernes, les Français étaient relativement en retard à la fête du cinéma d’horreur, mais ils y sont descendus au cours des 20 dernières années avec une vengeance, livrant des offres insupportablement brutales comme Haute tension , Frontière (s) Intérieur et Eux . Mais Les martyrs sont peut-être les plus implacables de tous, un récit incroyablement sombre d’une société secrète qui torture lentement à mort ses victimes pour voir si elles parviennent à une sorte de «transcendance» ou un aperçu de l’au-delà. Certains critiques ont critiqué le film pour avoir tenté de calmer quelque peu les procédures autrement horribles, mais nous pensons que cela fonctionne – même si nous ne regarderons plus jamais le film.

La maison silencieuse (Uruguay, 2010)

Cette entrée à très petit budget du réalisateur Gustavo Hernandez a fait ce que beaucoup de films d’horreur hollywoodiens ne font pas: créer et maintenir un niveau d’effroi et de chair de poule dont tout grand cinéma de genre a besoin, mais qui souvent ne répond pas . Bien que l’histoire puisse finir par être conventionnelle à la fin, le mystère central reste insaisissable tout au long et l’actrice principale Florencia Colucci porte efficacement le récit sur ses épaules. Fait pour ressembler à ce qu’il a été tourné en une seule prise (tout comme son remake américain des réalisateurs de Open Water ), The Silent House est également remarquablement compétent sur le plan technique.

Une fille rentre seule à la maison la nuit (Iran, 2014)

La cinéaste irano-américaine Ana Lily Amirpour a fait des débuts stupéfiants avec ce «vampire spaghetti western» en noir et blanc dans lequel une jeune vampire skateboardeuse se mêle à la vie des habitants dissolus de la «ville fantôme iranienne de Bad City».  » Surréaliste et onirique, mais empreint d’esprit vif (sans jeu de mots) et d’images originales, A Girl Walks Home… reste un brillant exemple de la façon dont tout englobe – tant sur le plan stylistique que culturel – le genre d’horreur peut être.

Train pour Busan (Corée du Sud, 2016)

Juste au moment où vous pensiez que le sous-genre zombie allait s’effondrer sous le poids de The Walking Dead et toutes les copies de films et de télé pour lesquelles il a ouvert les portes, le réalisateur sud-coréen Yeon Sang-ho place son apocalypse zombie sur un train à grande vitesse, lui donne un doux noyau émotionnel dans la relation entre un banquier et sa jeune fille, et met en scène certains des sangs et actions zombies les plus inventifs depuis des années. Le résultat est une version fraîche et vibrante d’un matériau bien porté qui ne perd jamais de vue son humanité.

The Wailing (Corée du Sud, 2016)

Le concept d ‘«horreur épique» – des films longs et complexes qui ressemblent davantage à des romans dans le développement de leurs personnages, thèmes et monstres – est souvent lancé, mais des exemples tels que It L’exorciste ou L’aube des morts sont assez rares. Ajoutez ce choc sud-coréen de deux heures et demie à la liste, dans lequel un policier se bat contre un démon qui terrorise le petit hameau dans lequel lui et sa famille vivent, menaçant de les détruire tous. Déstabilisant tout au long, The Wailing n’est jamais prévisible et assez sacrément saisissant depuis son ouverture mystérieuse jusqu’à sa finition sombre et dévastatrice.

Les esclaves de Satan (Indonésie, 2017)

Comme de nombreux pays représentés ici, l’Indonésie a une longue histoire d’horreur à l’écran, souvent adaptée du folklore et de la mythologie d’Asie du Sud-Est. Les résultats ont souvent été bizarres et tordus, bien que cette entrée soit un exemple efficace des récentes tentatives de la région pour une production plus raffinée mais toujours effrayante. Un remake d’un classique culte du même nom de 1980, Les esclaves de Satan commence avec une famille hantée par le fantôme de leur mère décédée – mais ce n’est littéralement que le début. Cette épopée d’horreur axée sur les personnages constitue une excellente passerelle vers le reste de la production de genre unique (mais souvent difficile à visualiser) de l’Indonésie.

Koko-di Koko-da (Suède / Danemark, 2019)

Cette coproduction danoise / suédoise cauchemardesque surréaliste combine une comptine plutôt effrayante avec des images effrayantes et une terreur sadique dans une méditation sur le chagrin parental incalculable. C’est une lourde charge pour un film relativement petit à transporter, alors qu’un couple brisé encore sous le choc de la perte de leur petite fille se lance dans un voyage de camping qui les emmène dans une horrible boucle temporelle / boîte à tuer. Les êtres démoniaques ressemblant à des contes de fées qui les tourmentent sont la manifestation du chagrin des parents, et au crédit du film, leur douleur physique – encore et encore – n’égale jamais tout à fait leur agonie émotionnelle.

Les tigres n’ont pas peur (Mexique, 2019)

Fable lugubre sur un groupe d’enfants orphelins survivant dans les rues hantées par des fantômes au milieu d’une guerre contre la drogue au Mexique, le film poétique d’Issa Lopez aborde le bilan psychologique, émotionnel et physique que ce conflit fait peser sur les membres les plus vulnérables d’une société – bien que le les enfants dans l’histoire de Lopez s’avèrent beaucoup plus forts que même la plupart des adultes. Un mélange de réalisme magique, de drame urbain et de terreur spectrale semblable à Guillermo Del Toro, Les tigres n’ont pas peur n’est qu’un excellent film, horreur ou autre.

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